论二胡演奏家的素养
——本文摘自木水清扬所著《搜胡》
作者 傅华根
信息 渠清如许 二弦映月（微信号）
文摘 供交流参考（版权归作者所有）
编辑 冬景
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要成为一位二胡演奏家，除了必须具备敏锐的听觉、精湛的演奏技巧和优美的演奏音色、完美的节奏感和乐感之外，他还必须具有广博的知识，包括文学、哲学、科学、宗教及音乐以外的其它艺术等多方面的知识，同时还需要具有广泛的生活阅历等等。还有很重要的一点就是他还必须具有艺术创造力。如不具备上述的各种条件，特别是不具备艺术创造力，他将不可能成为一位二胡演奏艺术家，许多缺乏艺术创造力和想象力的二胡演奏者只不过是一些学过二胡职业的演奏匠。
一、音律和律学的概念
在讨论二胡演奏中的音准问题时，我们必须涉及到音律和律学的概念。音律是研究构成音阶的每个音，律学是研究律的产生及音阶中各音律之间的音程关系的学问。在音乐实践中常用的律制主要有纯律、五度相生律和十二平均律三种，我国不少地方的民间音乐和戏曲音乐中还常使用一种在五声调式中的小三度之间插入一中间音的律制，如中间音4（Fa）和中间音7（Si）。中间音4（Fa）介于4（Fa）与升4（升Fa）之间，中间音7（Si）介于降7（降Si）与7（Si）之间。
二胡是一种不定音的多种律制混用的弦乐器，在演奏中主要采用五度相生律和纯律。五度相生律大音阶的第三度、第六度、第七度的音高比纯律大音阶的第三度、第六度、第七度均高22音分，所以在演奏采用不同律制的同一个调性的大音阶的音乐时，第三度、第六度和第七度的音高是不一样的。在演奏不同的民间音乐和地方戏曲音乐中所使用的律制也有一定的区别。
在演奏广东音乐时常用七等律，它的3（Mi）音和7（Si）音较低，4（Fa）音和1（Do）音较高，从而使音阶中的半音消失，形成七等律音阶。这种音阶中各音的音高不能用数学公式计算出来，这种音准一般都只能根据乐曲的风格靠演奏者的感觉来把握。
在演奏一些西北地区的民间音乐和戏曲音乐中常采用中间音7（Si）和4（Fa），这种中间音7（Si）和4（Fa）与五度相生律、纯律和十二平均律中的7（Si）音和4（Fa）音都不同，这种音的音准一般也只能根据乐曲的风格凭演奏者的感觉来把握。
还可以举出一些不同的民间音乐和地方戏曲中所采用的不同民族律制。
总之，二胡是一种不定音的多律制混用的弦乐器，所以在演奏时各音律的音高随着所采用的律制不同和演奏的乐曲的风格的不同而有所不同。
二、关于音准的问题
一般来说在二胡演奏中某个音的音准问题，不是一个普通的纯技术问题，它跟它的前后音有着很大的关系，同时跟音乐的表现和音乐的风格及所采用的律制有关。所以二胡演奏中的音准不是按照数学公式所计算出来的音准，而是在一个变化的动态过程中，它必须反映音乐中前后音符之间的有机联系，并符合音乐表现的需要。在一个指定的调性中的主音、下属音和属音（音阶的第一、第四和第五度音）是一些引导音阶中其它不稳定音向其靠拢的静止音。旋律在上行时这些不稳定音的音高会发生一种倾向性的变化，尤其是大音阶的三级音向四级音、七级音向高八度主音进行时，三级音和七级音的音高应尽量偏高，从而使我们感到这些音非解决到下属音和主音上去不可。如果是大音阶的主音或下属音下行到七级音或三级音上去的时候，这时七级音和三级音失去了向主音和下属音倾向的必要条件，这时七级音和三级音都应该还原。一位优秀的二胡演奏家不仅要对符合音乐表现需要的音准有一种非常精确的感觉，同时对自己的演奏音色也要非常的敏感，要在自己内心建立起一种纯净优美的演奏音色的标准，并且不断向这个方向努力追求。只有这样我们才能演奏出音准符合音乐表现需要的纯净优美的二胡声音。
三、良好的听觉
对于二胡演奏家来说，良好的听觉首先在于他不仅能听出不准的声音，并在听到这种不准的声音之后有一种强烈的不舒服感，然后通过练习加于纠正；其次在于他对二胡的演奏音色必须非常敏感，而且在内心对这种振动有规律、发音纯净的声音有一种强烈的要求，并在练习中慢慢做到。
二胡演奏家们的良好听觉还在于他们能客观地倾听自己所演奏的音乐，就是说对自己在演奏中的优缺点要非常敏感，这就需要我们培养建立起一种良好的内心听觉。在我们演奏前内心就要有一种自己所要求的美好声音和符合音乐原作的艺术意境，如没有这种理想的声音和艺术意境在内心唤起，又怎么能鉴别自己所演奏的声音和艺术意境是否符合音乐表现的需要和自己内心的要求呢？一个人对自己演奏声音的要求和艺术意境的要求是随着自己的演奏水平的提高、随着自己对艺术的认识的提高和随着自己对作品的艺术意境理解的提高而提高的。所以一位艺术家在其一生对艺术的追求中，永远不应该自满而停止努力。
四、韵律和节奏的修养
作为一位二胡演奏家除了需要完美地掌握左、右手的各种演奏技术、具有良好的音准概念和内心听觉修养等方面的素养外，还必须对音乐的节奏具备敏锐和鲜明的感觉，即要具有高度的节奏修养。如我们在二胡上连续地拉出一连串杂乱无章、毫无规律的声音，这时无论你的左、右手的演奏技术多么高超，你拉出来的每一个声音音高多么准确、音色多么美妙，则这一连串声音根本就谈不上是音乐，更谈不上有什么音乐艺术的表现力。。
节奏是对比因素有规律的交替出现，是音乐的时间形式，是赋予音乐生命的重要要素。如将“和声”比作人的心脏，将曲调比作人体的肺脏，那么节奏就可以说是人体结构中的筋肉组织，人身体中如没有筋肉组织，则人就没有一点力量、就不能活动。音乐如没有节奏就毫无生气，就毫无意义。不光是音乐需要有节奏，就是当人们在走路和跑步时也需要有节奏。如果一个人走路的步伐没有节奏，那这个人不是病了就是醉了。
音乐是一种时间性的艺术，它不能脱离时间而存在。音乐作品不象绘画与建筑艺术作品那样在一瞥之下就能明了，人们在听一首乐曲时必须随着时间的经过而慢慢地感受到。节奏就是在音乐演奏中所表现出来的一连串流动的声音的长短、徐疾、强弱、动静等的变化。
作为音乐中必不可少的要素——节奏，它可以不依靠旋律而独立存在，但旋律却不能脱离节奏。音乐的时间构成因素包括速度、拍节、乐段，是理性的机械因素；而音乐的节奏取决于音乐的动机、韵律的变化及乐句的平衡与否，是无理性的有机因素——音乐的灵魂所在。
韵律和节奏虽然在理论上有一定的差别，但在实际应用中则是很难对他们区分的。一般来说，把音的持续时间、即音的长短的不同确定为属于“节奏性质”的一方面，而把音的轻重的不同确定为属于“韵律性质”的一方面。其实“节奏性质”的一方面也包含有音的轻重不同的问题。重音对韵律和节奏来说同样是一种非常重要的因素。在音乐演奏中，我们都把韵律和节奏放在一起研究，我们通常所说的节奏，其实就是包括了韵律和节奏这两方面。
演奏音乐时对节奏的要求，主要分两个方面，一是在演奏中要把每一个音符的时值都奏的非常正确，二是要恰当、合理地安排乐曲中重音的位置和重音的变化要求。
下面想分别谈一下这两方面的问题。
音符时值奏得不正确是二胡初学者和没有经过严格的节奏训练的二胡演奏者在演奏中经常出现的毛病。音符时值奏得不准确主要表现在以下几个方面。
1、在演奏一段音符时值相同的快速乐段时一般总是容易越拉越快。
2、在演奏带有附点音符的乐句时音符的时值奏不准确。
3、在演奏弱起小节和连续切分音符的乐句时，常常会出现将拍子提前的现象。
4、在演奏三连音等连音时，各个音的时值奏得不均匀。
5、在演奏一拍四个十六分音符时往往会出现四个十六分音符的时值不均匀，并且把整个一拍的时值缩短。
重音的多样化是声音色彩的非常重要的因素，也是演奏音乐时节奏感是否强的决定因素。所以把握、安排、演奏好重音是体现所演奏的音乐是否有节奏感、是否有音乐表现力的一个很重要的要素。在音乐中一般有五种重音：韵律重音、节奏重音、力度变化重音、速度变化重音和情感重音。
韵律重音并不表示在强拍上要真的奏出与弱拍相对照的重音，而只不过在演奏时对该韵律重音在内心要想一下、要有感觉。把韵律重音奏得听得出来是一种坏的演奏习惯，非常明显的韵律重音总带有一种做作和故意卖弄的味道。
节奏重音表现为一种可以被清楚地感觉到并有规则地反复出现的重音。有意识地突出加强节奏重音的效果听起来不会像非常明显的韵律重音那样令人不安。
力度变化重音表现为有意识地加强一个音值，这种重音完全根据音乐表现的需要来确定，不需要从韵律或节奏的角度来证明它是否正确。
速度变化重音表现为以延长音符时值的方式来加强一个音符。
情感重音表现为当演奏中表情达到高潮时，力度变化重音和速度变化重音同时发生的情况。
节奏鲜明的作品可以从其丰富多彩的重音及其抑扬顿挫的声音变化中明显地感觉到。持续不断没有变化的节奏和过于平稳且又很有规律的重复出现的重音常常会使人以单调、昏昏欲睡的感觉。
节奏与拍子是两个不同的概念，所以我们不能把节奏与拍子混同起来，乐谱中的小节线往往比其他任何因素都更容易成为培养良好节奏感的障碍。
小节线的作用是把一部音乐作品按照拍号的要求划分为单元和表示它后面的音值是加强的。小节线对初学者来说是非常重要的，如没有小节线初学者就无法学会数拍子，但一旦划分小节的困难被克服后，学生就开始需要对整个乐句的轮廓有所认识而不去理会硬行划分出来的那些小节线，这时小节线就成了妨碍培养学生具有丰富表现力的最大障碍。儿童或初学者必须学习小节线，而艺术家则必须克服它。
五、素质和技巧
在阐述音乐时的创造力、想象力、表现热情和灵感等素质是每一位二胡演奏家所必须具备的内在的天生条件，而那些不是属于上述所指的精神领域内的二胡演奏技术，都是可以通过正确的、充分的练习获得的。运弓和指法方面的技巧以及完美的发音等是每一位能勤于思考和练习并得到一位好老师精心指导的学生都能获得的，能不费力地掌握某些特殊的演奏技巧，决不等于具有特殊的二胡演奏天赋。那种在阐述音乐时的创造力、想象力、表现热情和灵感等等东西才是一位二胡演奏家的演奏天赋。
技巧是一种达到目的的手段，是为表达音乐的内容服务的。纯技巧的演奏和为了技术而技术的演奏是与音乐艺术相抵触的。但如果一位演奏家没有扎实的基本功，没有高度的演奏技巧，即使你有再好的音乐感觉和音乐表现上的天赋，也是不可能很好地传达音乐的内容并将你所演奏出来的音乐真正打动人心的。演奏技巧上的不足，左、右手演奏姿势的不合理会成为很有艺术天赋的演奏家进一步发展的重要障碍。
有的二胡演奏者为了使自己的演奏更富有表现力，他们总是在演奏中用一些多余的身体动作和过多的脸部表情。其实这样做非但无助于音乐内涵的表达，反而会影响他们的演奏。亚沙·海菲兹（JaschaHeifetz）在给他的学生埃里克·弗里德曼（Erick Friedman）上第一次演奏课时，对弗里德曼在演奏时过多的脸部表情指出：“你是否知道你的脸上总是表现出非常受感动的样子？假如你真的是受感动，那当然是好的，如果看上去一直受感动没个完，那就不真实了。没有什么人能一刻不停地受感动。这对人来讲是不可能的。”钢琴家傅聪（当时他在弹琴时身体摇摆动作较多）在跟他的父亲傅雷谈论弹钢琴的姿势时说：“弹琴的时候表情应当在音乐里，不应当在脸上或身体上。我不能用音乐来抓住人，反而叫人注意到我弹琴的姿势，只能证明我的演奏不到家。”（《与傅聪谈音乐》1997年12月北京第二版第三次印刷）。傅聪在谈到肖邦弹琴的姿势时指出，肖邦弹琴时坐如磐石。
把自己培养成为一位真正的演奏艺术家，不仅需要具备音乐表现方面的天赋、丰富的艺术想象力、富有个性的艺术创造力和强烈的表现热情等精神方面的素质，还需要具备高度完美的演奏技巧方面的能力，这两方面的能力缺乏任何一方面都是不行的。，
六、独特的个性和创造性
一位二胡演奏家还必须具有独特的个性和创造性，在演奏一首作品时，除了在演奏中能明确地反映出原作的精神面貌外，他还必须在具体的演奏细节上充分反映出演奏家独特的个性，如做不到这一点他不能算是一位好的演奏家。反过来说，如一位演奏家在其演奏中片面强调、突出自己的个性，完全凭自己的直觉演奏，他是不可能很好地反映原作的精神面貌的。当一位演奏家努力地把自己的切身经验同作曲家在作品中表现出来的切身经验融合在一起的时候，把自己独特的艺术风格与作品的艺术风格有机地联系在一起的时候，他才能将自己内心深处的那些与作品的风格、情绪、内容相近的精神通过自己的演奏在作品中恰如其分地表现出来，同时也能将原作的精神面貌充分地表现出来。演奏家的个性不可避免地会在他的演奏中渗入到他所演奏的作品中去，演奏家的个性、风格、气质、教养都必然会在他的演奏中反映出来。如演奏家的个性、风格与原作的风格相差太远，他演奏出来的东西就会离原作的风格较远，给人以一种格格不入的感觉。一般来说，一位演奏家能胜任表达的作品风格都会有一定的限度。一个人的艺术修养越高，他的个性越有弹性，则他能表现的作品的风格也就越宽广，当演奏家的风格与原作的风格融洽无间时，原作的面貌才能通过他的演奏忠实而生动地再现出来。
七、理智与感情的平衡
我们都知道没有内心冲动的演奏是毫无艺术价值的，但过分的感情冲动，缺乏对自己感情冲动的控制，完全凭演奏者的直觉来进行演奏，那么它所演奏出来的音乐将会偏离原作的精神。所以在演奏时做到理智与感情的平衡对于一位二胡演奏家来说是非常重要的。许多人很难做到这一点。一位过分理性的演奏家的演奏会使人感到不满足，而一位感情过分丰富、生机旺盛的演奏家的演奏会使人感到过火。一位好的二胡演奏家必须富有感情，但他必须使自己感情方面的东西上升到理性，然后再回到感性，又再回到理性，这样经过无数次循环往复，最后才能做到感性与理性的平衡，才能在演奏中恰如其分地将音乐作品的精神面貌和艺术内涵表现出来。
作为一位二胡演奏家在其平时的练习中可以多一些理性、分析的成分，他的演奏应该是有意识的，而在正式演出时，它的演奏应更多地倾向于个人的感情，即应该是无意识的。一位二胡演奏家必须具备这样一种能力，即在正式演奏前应能有效地减弱理性的思考能力，加强感情的感受能力。如果一位演奏者的有意识的思考活动非常强烈而压倒和支配着他的本能的感情，那么这种人是不适宜从事器乐独奏职业的。这种人可以去从事理性思考能力突出不至于影响其音乐职业的乐队演奏员，或可以去从事理性思考能力突出有利于其音乐职业的音乐教师。演奏家在通过他的乐器把自己内心即时的感情直接流露出来时，只能通过他在演奏时的内心冲动而不是通过冷静的理性思考来实现。
八、赋予音乐作品以生命
一位二胡演奏家的使命在于通过自己的演奏将写在纸上的乐谱变成活的东西，即赋予音乐作品以生命。只有通过演奏家的演奏才能使音符中和演奏家意识中的东西变为现实，演奏家应该使作曲家写下来的东西复活，把音乐的生命注入其中。对一首名曲再好的评论、分析、解释都代替不了演奏家生动的演奏，因为乐曲的灵魂在纸上是写不出来的，乐曲的灵魂只有通过生动的演奏才能表现出来。如按照谱上所记音符的长短、快慢、强弱一小节一小节很仔细地演奏出来，非但听起来索然无味，反映不出原作的精神面貌，事实上也不可能这样做。演奏家应通过摆在他面前的乐谱，去寻求该作品在他内心产生的共鸣，并以此来重新创造、引发这一作品的意境和激情。
演奏家必须在作曲家的作品和自己的意识之间建立起一种平衡，他必须不断努力将自己对音乐作品的理解和内心产生的激情和共鸣在演奏时最大限度地来反映原作的精神面貌，不能使原作的精神面貌走样。只有具备上述的素质并按上述要求来再现音乐作品时，演奏出来的音乐才能打动人心，并能使听众感受到原作的精神面貌和演奏家的个性和风格。没有创造力和想象力而只有演奏技巧的呈现的演奏，无论你的演奏技巧多么高明，是绝不会打动人心的。这种演奏既不能打动一般普通人的内心，更不能打动艺术家的内心。这种二胡演奏者在他的演奏中再现出来的只是一些纯演奏技巧的堆积，而没有创造性和内心的激动，从严格意义上来说，他不是一位演奏艺术家，而只是一个学过二胡演奏职业的人，是一位手艺人或一位演奏匠。在听演奏匠的演奏时，我们只能听到一些高低、长短、强弱不同的音的组合和各种不同的外在的形式。不同的演奏匠所演奏的音乐，除了它们在外在形式及演奏技术程度上不同以外，找不到更多的音乐内涵上的东西。
一首音乐作品的本质不在于它展示的音乐上的各种外在的形式，也不在于它在演奏中所显示的各种技巧，而在于通过各种外在的形式和演奏技巧在作品中反映出来的音乐风格和富有想象力的内容所揭示出来的创造性的特性。
